12 dintre cele mai bune picturi ale lui Claude Monet

Iubitor al naturii, celebrul creator al curentului impresionist, extrem de popular în pictură, Claude Monet este considerat în prezent de critici ca fiind un simbol al epocii sale. Cine ar fi bănuit că micul caricaturist va avea mai târziu o influență profundă asupra artiștilor din întreaga lume, realizând o constelație de picturi superbe, cu o cromatică unică, incredibil de vie, care, în perioada în care a rămas în anonimat, a provocat zvonuri despre nebunia sa?. Iată câteva dintre cele mai bune tablouri ale marelui maestru – cele mai cunoscute lucrări ale pictorului impresionist francez.

Urmele marelui impresionist: Top 12 capodopere ale geniului francez Claude Monet

Nominalizare	loc	Activitatea	rating
O trecere în revistă a celor mai bune picturi de Claude Monet	1	„San Giorgio Maggiore la amurg”, 1908-1912	5.0
2	„Doamna în rochie verde” (Camille), 1866	4.9
3	„Walk. Doamnă cu umbrelă”, 1875	4.9
4	Seria „Căpițe de fân”, 1890-1891	4.8
5	Seria Catedrala din Rouen, 1892-1893	4.7
6	Seria „Nuferi”, 1896-1926	4.7
7	Seria „Gara Saint Lazare”, 1872-1877	4.6
8	„Doamne în grădină”, 1866	4.5
9	„Impresie. Soarele Răsare, 1872	4.5
10	„Micul dejun pe iarbă”, 1866	4.5
11	„Palatul Parlamentului la apus”, 1900-1901	4.5
12	„Podul Waterloo într-o zi înnorată”, 1904	4.4

„San Giorgio Maggiore la apus”, 1908-1912

Evaluare: 5.0

Unul dintre cele mai cunoscute și semnificative tablouri din opera marelui impresionist. Tonurile predominante în subiect sunt portocalii – acestea sunt nuanțele cu care artistul a asociat declinul orașului italian. Catedrala venețiană și apa, bineînțeles, ies în evidență pe acest fundal colorat.

Maestrul însuși a remarcat că pictura orașului crepuscular a fost realizată într-un mod neobișnuit pentru el: ideea pânzei era atât de impresionant de frumoasă și de fermecătoare încât artistul a lucrat frenetic, călcând literalmente pe urmele soarelui care se îndrepta spre apus și a strălucirii sale de apă…. Monet a folosit contraste dramatice de culoare în lucrările sale, ceea ce a dat picturii o mai mare profunzime și vivacitate.

Pentru că ideea a fost inspirată aproape de moment, Monet a aplicat tehnica tușelor scurte și a umplerii rapide a pânzei cu pastă. Iată cum a reușit să surprindă instantaneu momentul de culoare și să transmită cu acuratețe jocul de lumină. Scopul principal al operelor autorului nu a fost acela de a transmite un mesaj moral sau o semnificație profundă privitorului, ci de a crea o impresie senzuală, trezind un sentiment și o impresie plăcută, și nu degeaba Monet a fost unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai impresionismului.

„Doamna în rochie verde (Camille)”, 1866

Evaluare: 4.9

Acest portret o înfățișează pe soția impresionistului, Camille Doncier, într-un moment în care nu era încă soția sau chiar mireasa lui. Claude și Camille tocmai se întâlniseră, iar după una dintre aceste întâlniri, Monet a decis să imortalizeze pe pânză emoția intensă dintre ei. În „The Lady in the Green Dress”, artistul surprinde momentul de neliniște în care fata, aflată practic pe cale să iasă, se întoarce.

Monet nu și-a irosit energia pentru a desena fundalul: și-a concentrat toată priceperea asupra Camillei însăși, detaliindu-i cu meticulozitate chipul, curba gâtului, expresia, chiar și ușoara mișcare a mâinii și trasându-i cu dragoste rochia și paltonul. Nu poți rata aerul sau ceva eteric în acest tablou: artistul a încercat să arate fata ca fiind reală, vie. Monet nu a avut nevoie de un ideal de referință: rochia pare grea, pare să se târască neliniștită pe podea – un indiciu că este făcută din țesătură grea.

Monet a pictat ceea ce a văzut și a iubit din toată inima (în ciuda scurtei lor cunoașteri, artistul s-a îndrăgostit cu pasiune și ardoare de fată), fără înfrumusețări și complicații care nu ar fi făcut decât să o jignească pe Camille. Pictura sa dovedit a fi incredibil de vie și profundă: se simte fervoarea și emoția unui tânăr îndrăgostit.

„Mersul pe jos. Doamnă cu umbrelă, 1875

Evaluare: 4.9

Este considerat a fi începutul unui ciclu, primul și cel mai important dintre ele fiind pictat în 1875. Modelul pentru portret este prima soție a artistului, Camilla. Lucrarea este considerată o operă majoră a anilor 1870. Pictura îi prezintă pe Camille și pe fiul ei în sălbăticia de lângă Colombe și Genivier.

Madame Monet stă pe jumătate în lateral, ca și cum ar fi descoperit brusc privitorul. Rochia ei flutură în vânt. Figura este ușor deplasată spre dreapta, ceea ce este compensat de umbrela înclinată, în a cărei cupolă se reflectă verdele strălucitor al pajiștilor. La distanță, vizibil doar de la înălțimea taliei, se află fiul lui Monet, care privește atent la spectator.

Pictată in situ, în aer liber, a fost realizată probabil într-o singură ședință. Pe parcursul realizării pânzei, munca pictorului devine treptat dominată de o elaborare minuțioasă a personajelor, înlocuind peisajele. Cu toate acestea, marele impresionist nu uită niciodată să transmită privitorului lumina insesizabilă a soarelui, care face ca tabloul să pară viu.

Poziționarea personajului feminin pe pânză și linia orizontului joasă conferă tabloului un aspect general monumental, ceea ce este destul de neobișnuit pentru un impresionist francez.

Seria Căpițe de fân, 1890-1891

Evaluare: 4.8

Monet credea că un peisaj trebuie să fie pictat în întregime în culori, forme și atmosferă și că „acest lucru va scoate în evidență o viziune personală și naivă a situației pe care o privește”. Monet nu a fost primul pictor care a pus pe pânză peisajul rural, având ca subiect principal căpițele de fân. Van Gogh, Pissarro, Gauguin și alți mari pictori au scris deja pe această temă.

Dar Monet s-a distins prin două elemente de pionierat în opera sa: modul său de a vedea lumina și crearea unei întregi serii de picturi. Astăzi, grație muncii și talentului pictorului, putem contempla diversitatea unui singur motiv, în funcție de momentul zilei și de lumina schimbătoare.

Creând o serie de tablouri cu imaginea unui car cu fân, Monet, în propriile sale cuvinte, a căutat să arate trecerea timpului. Se plângea că vara, când picta, soarele apunea atât de repede încât artistul nu putea ține pasul cu el și de fiecare dată când căuta schimbarea trecătoare de lumină.

În 1888, Monet a studiat mai multe căpițe de fân în apropiere de Giverny. El va reveni la această temă un an mai târziu, la începutul secerișului (secerișul și culesul de vară). A muncit din greu timp de luni de zile, pictând câmpuri acoperite de strălucirea soarelui de vară, de roșul aprins al toamnei și învelite în zăpadă densă iarna.

Vara anului 1890, când maestrul era cufundat în cazul „Olympia”, dornic să răscumpere tabloul de la văduva lui Manet și să îl transfere la Louvre, era înnorat, cu ploi frecvente. De aceea au început pânzele, artistul trebuia să le completeze în atelier, imaginând cât de colorat și extraordinar ar putea fi cerul. Cele cincisprezece tablouri din această serie, expuse pentru prima dată la Durand-Ruel, au avut un succes răsunător și s-au vândut în ciuda prețului ridicat.

Seria Catedrala din Rouen, 1892-1893

Evaluare: 4.7

O altă serie de tablouri ale marelui impresionist, doar că de data aceasta în centrul intrigii – magnifica catedrală gotică din Rouen. Pentru un ciclu de picturi, Monet a locuit în apropierea catedralei și a pictat de dimineața devreme până seara târziu. Artistul a fost incredibil de fascinat de jocul de lumină pe piatra rece și a căutat să transfere acest contrast uimitor pe pânză.

Toată atenția lui Monet nu s-a concentrat asupra întregii clădiri, ci asupra unei anumite părți a acesteia – cele 2 turnuri: Martin și Alban. Pentru impresionist, elementele catedralei arătau ca un portal, iar fiecare tablou a descris acea parte a clădirii. Pe măsură ce artistul a progresat în munca sa, a aplicat treptat un strat mai gros de vopsea pe pânză, încercând să sublinieze anumite detalii și să dea picturii o lumină proprie.

Adesea, ritmul era rapid, dar Monet însuși se plângea de acest fapt, spunând că îi îngreuna sarcina și că avea dificultăți în a-și transpune viziunea pe pânză. Ar putea fi chinuit de coșmaruri în care o biserică se prăbușește peste el sau în care culoarea templului se schimbă în mod trădător…

Publicul a văzut pentru prima dată capodoperele impresionismului francez în 1895 și, deși criticii au fost împărțiți, mulți artiști (inclusiv străini) și-au schimbat viziunea. Aproape imediat, 8 tablouri din această serie au fost vândute către diverși colecționari. Restul, deși cu un preț relativ ridicat (în jur de 15.000 de franci), au fost achiziționate de alți câțiva colecționari impresioniști.

Seria „Nuferi”, 1896-1926

Evaluare: 4.7

Această serie imensă este formată din aproape 250 de pânze, fiecare dintre ele alcătuită din picturi în ulei. Unele tablouri pot fi numite în mod sigur monumentale, și nu numai datorită dimensiunilor impresionante, ci și datorită ingeniozității cu care transmiteau percepția culorilor. Pentru confortul muncii sale, artistul a construit un nou studio cu iluminare specială.

Este demn de remarcat faptul că, în procesul de lucru, Monet a fost atât de captivat și impresionat de rezultat încât nu a vrut să se despartă de nici unul dintre tablourile din seria „Nuferi”, creat aproape 30 de ani de muncă grea. În muzee și colecții particulare, aceste pânze au început să apară abia după moartea impresionistului.

Monet era mândru de faptul că a reușit să-și cumpere propria casă (la Giverny), unde avea o grădină de flori luxuriantă. Tablourile din această serie înfățișează nuferi care cresc în special în grădina proprie a artistului. Apropo, multe pânze au fost create în momentul în care pictorul suferea de cataractă. Dar este posibil ca acest lucru să-l fi ajutat să se îndepărteze de percepția sa tradițională a culorilor și să creeze un joc incredibil de culori, lumini și umbre.

Tablourile din seria „Nuferi” sunt expuse în numeroase muzee din întreaga lume: Paris, New York, Țara Galilor, Oregon etc. Christie’s descrie „Nuferii” lui Monet ca fiind una dintre cele mai recunoscute și semnificative opere ale secolului XX, care a avut o influență profundă asupra pictorilor impresioniști și moderniști din întreaga lume.

Gara St. Lazare”, seria 1872-1877

Evaluare: 4.6

În 1872, Claude Monet, a venit la conducerea St. Lazare, spunând că are de gând să scrie o serie de tablouri, iar subiectul lor principal va fi tocmai gara. Artistul a considerat stația una dintre cele mai impresionante clădiri din acea vreme și a dorit să transmită sentimentele sale despre epoca progresului tehnologic, îndepărtându-se de tema peisajului.

În timp ce Monet picta din viață, personalul gării și-a depus toate eforturile pentru ca Saint-Lazare să apară în fața impresionistului în toată splendoarea sa: stația a curățat în permanență și chiar a vopsit locomotivele, iar mecanicii au încercat să lase să intre cât mai mult abur posibil…. Panorama de lux a prins literalmente geniul francez și, ca urmare, a scris până la 12 picturi, care au descris stația nu numai în diferite unghiuri, ci și în diferite condiții meteorologice și în diferite momente ale zilei. Aceasta a fost prima sa serie, care avea să fie urmată în curând de lucrările sale The Stocks and the Water Lilies.

Prezentată pentru prima dată lumii în 1877, la expoziția din 1877, seria de tablouri „St. Lazare Station” a avut un succes răsunător. Celebrul scriitor francez Emile Zola avea să spună mai târziu că atmosfera transmisă de picturile lui Monet a fost cea care l-a inspirat să scrie romanul său „Omul bestie”, dedicat căii ferate franceze.

„Doamne în grădină, 1866

Evaluare: 4.5

Considerată a fi o pictură foarte neobișnuită pentru un privitor contemporan. Monet a vrut să clarifice faptul că va picta doar după cum îi dictează inspirația și instinctul, fără a ține cont de tradiția academică. Peisagistul francez Gustave Courbet, care îl vizita adesea pe Monet în acea perioadă, a fost impresionat nu numai de viziunea autorului, ci și de scara pânzei. Din cauza dimensiunilor sale uriașe (255×205 cm), era incredibil de greoaie. Pictorul trebuia să coboare pânza într-o groapă specială cu ajutorul unui elevator atunci când începea să picteze partea superioară a tabloului.

Impresionistul dorea să surprindă jocul de lumini și umbre cu cea mai mare precizie, lucrând la cele mai mici detalii ale subiectului. Personajele sale au primit un rol secundar. Femeile înfățișate pe pânză, de exemplu, par stilizate, cu fețele abia vizibile – o doamnă stă pe jumătate întoarsă, alta cu spatele la față, iar cea de-a treia se ascunde în spatele unui buchet de flori. În acest fel, el arăta clar că pentru el nu subiectul în sine era mai important, ci relația dintre om și lumea exterioară.

În ciuda tradiționalismului aparent, tabloul era cu adevărat inovator: numeroase jumătăți de rânduri, marginile rochiilor decupate – pentru un pictor academic, toate acestea ar fi fost imposibile… Tabloul „Doamnele din grădină” a fost pictat în timpul unei perioade financiare dificile pentru Monet, așa că lucrarea a fost greu de lucrat. A intenționat să expună această lucrare la Salonul de la Paris, una dintre cele mai prestigioase expoziții de artă din Franța, dar juriul a refuzat să o vadă. Dar când Monet a devenit celebru, tabloul „Doamne în grădină” a fost cumpărat de guvernul francez pentru suma uriașă de 200.000 de franci.

„Impresie. Soarele Răsare”, 1872

Evaluare: 4.5

Când fondatorul impresionismului picta un tablou, credea că este vorba de o altă lucrare a sa care nu se va vinde niciodată. Dar, de fapt, cu ea a început nașterea unei noi direcții în pictură. În 1874, creația, alături de lucrări ale unor colegi „frați de spirit”, a fost prezentată la o expoziție independentă. Dar eforturile tinerelor talente nu au fost apreciate de toți.

După ce a vizitat expoziția, jurnalistul Louis Leroy a scris un articol critic intitulat „Expoziția impresioniștilor”, în care i-a expus pe artiști ca fiind ridicoli, spunând că astfel de „creații” i-au înnebunit pe pictorii academici și le-a dat tinerilor necunoscuți de atunci porecla jignitoare de „impresioniști. Bineînțeles, el nu a putut prevedea la vremea respectivă că artiștii vor adopta în cele din urmă porecla, care va deveni un substantiv comun și va deveni una dintre cele mai faimoase mișcări artistice din lume.

În tabloul „Impresie. Monet a acordat o atenție deosebită (ca întotdeauna) redării culorilor, folosind un minim de nuanțe, dar creând un peisaj incredibil de vibrant și realist. Tonurile de bază sunt albăstrii: întreaga pânză pare să aibă un sentiment de dimineață rece și umedă.

Pictorul a reușit să transmită starea de spirit a portului foarte precis: așa vedeau localnicii portul – sumbru, cu reflexii de soare pe apă, cu cerul care se revarsă în ocean, unde se disting vag siluetele navelor.

„Micul dejun pe iarbă”, 1866

Evaluare: 4.5

Un tablou cu un destin tragic, subapreciat la vremea sa și un adevărat simbol al timpului său. Lucrările la pânză au început în 1865, inspirate de tabloul cu același nume, scandalos de celebru, al lui Edouard Manet, care avea un conținut oarecum frivol. Dar, în afară de un titlu identic și poate un peisaj forestier, imaginile nu au absolut nimic în comun.

În spatele unei pânze se află un efort titanic, pentru că tabloul avea dimensiuni uriașe – 400×600 cm. Iar lucrul cu o pânză atât de mare necesită o mare îndemânare, capacitatea de a simți și de a forma corect compoziția, culorile, distribuția personajelor etc.

Artistul și-a început lucrările într-un loc prestabilit din pădurea Fontainebleau. I-am folosit ca modele pe soția mea Camille și pe prietenul meu, Frédéric Bazil, colegul meu artist. Monet a pictat mai întâi pădurea în aer liber, apoi a trasat personajele în atelier, după care a ieșit din nou cu modelele sale pentru a desena studii din natură. Ulterior, în atelier, artistul a asamblat toate elementele împreună.

Pânza reprezintă o zi răcoroasă de vară sau de primăvară. Un cer albastru strălucitor se întrezărește printre frunzele dese și luxuriante ale copacilor. Ici și colo se întrezăresc ușoare raze de soare. În fundalul peisajului, un grup de bărbați și femei se odihnesc, unii stau de vorbă, alții ronțăie din mâncare, alții se întind pe iarbă. Se simte veselia, prospețimea pădurii, ușurința.

Inițial, Monet a pictat Mic dejun pe iarbă pentru a o prezenta la Salonul de la Paris, dar nu a mai avut timp, așa că a scris în grabă „Doamna în rochie verde”, care a fost primită favorabil de către critici. Fiind într-o situație financiară dificilă, pictorul a lăsat pânza neterminată ca un angajament față de proprietarul său și a decis să nu se ocupe de lucruri mari care îi mâncau toți banii și îi creau dificultăți.

Dar proprietarul a păstrat capodopera neglijent și o parte din pânză a putrezit pur și simplu din cauza petrecerii unei perioade lungi de timp într-o pivniță umedă. După 7 ani, Monet a răscumpărat pânzele și le-a tăiat în 3 bucăți, lăsând doar 2 (una era complet inutilizabilă). Criticii de astăzi consideră pictura ca fiind debutul artistului în noul stil de atunci, un veritabil fanion al iminentei revoluții în artă.

„Clădirea Parlamentului la apus”, 1900-1901

Evaluare: 4.5

În 1900, Paul Durand-Ruel, sfântul patron al impresionismului, aștepta cu nerăbdare întoarcerea lui Claude Monet din capitala britanică. Thoth a trebuit să aducă înapoi vederi ale podurilor Tamisa și Parlamentului create în timpul șederii sale la Londra. Artistul a adus lucrarea înapoi, dar nu a fost mulțumit de schițe, așa că un an mai târziu a revenit pentru a rafina picturile și încă un an mai târziu.

Durand-Ruel a primit seria de tablouri londoneze abia în 1904, dar așteptarea a meritat: o săptămână mai târziu, tabloul The Houses of Parliament at Sunset (Casele Parlamentului la apus) a fost vândut pentru o sumă frumușică de bani. De atunci, tabloul a ajuns în numeroase colecții particulare din Le Havre, Paris, New York și chiar Japonia. În 2015, pânza a fost vândută pentru 40 de milioane de euro. Dolari.

Monet deplângea inconstanța vremii londoneze în timp ce își picta ciclul: „Se schimbă mereu din cauza norilor și a vânturilor puternice… mă scoate din minți.”. Stările naturii și momentele unice ale luminii soarelui alternează cu o viteză enormă, dar este neprețuit faptul că Monet a reușit să le capteze pe pânză. Ceea ce conferă acestui tablou un farmec deosebit este efectul neobișnuit, chiar îndrăzneț – strălucirea roșie strălucitoare care izbucnește printre norii groși.

„Podul Waterloo pe timp acoperit de nori”, 1904

Evaluare: 4.4

O altă capodoperă din ciclul londonez al lui Monet, de asemenea, mult timp nu se află pe expoziții. De exemplu, această priveliște incredibilă a podului Waterloo a fost cumpărată de un pasionat de pictură, un colecționar rus, Mikhail Ryabushinsky. Avea 37 de ani când a izbucnit revoluția în Imperiul Rus. A ascuns o parte din colecție, a depus-o la Galeria Tretiakov și apoi a emigrat în Marea Britanie. Tabloul a ajuns, de asemenea, în galeria adevăraților negustori de antichități – Wildenstein. Ulterior, pânza a schimbat o mulțime de proprietari – toate personalități excepționale.

Monet a venit în capitala britanică împreună cu soția sa pentru a-și vizita fiul pentru prima dată și a știut imediat că se va întoarce din nou. Impresionat de culoarea orașului, marele impresionist a început să realizeze pânze cu peisajele locale. A admirat poezia anumitor locuri din Londra, dar vremea l-a înnebunit, complicându-i fluxul de lucru în multe feluri, dar făcându-l în același timp incredibil de incitant.

Când Monet s-a întors de la Londra, a adus cu el 8 cutii întregi de pânze (!) și niciunul nu a fost terminat. Artistul a mai petrecut câțiva ani pentru a rafina picturile, fără a permite ca vreuna dintre ele să fie vândută. Doar după ce toate pânzele sale au fost terminate, ele au putut fi văzute de către spectatorii uimiți, admiratori și critici impresioniști deopotrivă.