15 cele mai faimoase picturi ale artiștilor ruși

Pictura poate fi numită una dintre cele mai importante componente ale culturii rusești. Peisaje maiestuoase, evenimente istorice, portrete de personalități celebre și oameni obișnuiți, teme artistice – toate acestea se reflectă în lucrările artiștilor proeminenți. Mulți dintre ei sunt cunoscuți nu numai în patria lor, ci și în multe alte țări, datorită talentului lor mare și muncii lor. În această selecție vom examina cincisprezece dintre cele mai cunoscute capodopere ale maeștrilor ruși ai picturii.

Revizuirea celor mai renumite picturi ale pictorilor ruși

Nominalizare	loc	Activitatea	rating
Prezentare generală a celor mai faimoase picturi ale artiștilor ruși	1	„Cavalerul de la răscruce”, Victor Vasnetsov	5.0
2	„Cazacii”, Ilya Repin	4.9
3	„Călușarul”, de Karl Bryullov	4.9
4	„Demonul șezând”, Mihail Vrubel	4.8
5	„Arătarea lui Hristos în fața poporului”, Alexandru Ivanov	4.8
6	„O căsătorie inegală”, Vasily Pukirev	4.7
7	„Ciorile au zburat înăuntru”, Alexey Savrasov	4.7
8	„Vânătorii la odihnă”, Vasily Perov	4.7
9	„Bogatyrs”, Viktor Vasnetsov	4.7
10	„Fata cu piersici”, Valentin Serov	4.7
11	„Ultima zi de la Pompei” de Karl Bryullov	4.6
12	„Burlaki pe Volga” de Ilya Repin	4.5
13	„Boyarynya Morozova”, Vasily Surikov	4.5
14	„Necunoscutul” de Ivan Kramskoy	4.5
15	„Dimineață într-o pădure de pini”, de Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky	4.5

„Cavalerul de la răscruce”, Viktor Vasnetsov

Evaluare: 5.0

Pictura „Knight at the Crossroads” a fost un punct de cotitură în viața lui Vasnetsov, determinând direcția ulterioară a artei sale. El era deja cunoscut ca vânzător ambulant, dar succesul acestei lucrări l-a determinat să se dedice în continuare poemelor epice rusești. Ideea acestui tablou datează de la începutul anilor 1870, când Vasnetsov, după ce a citit povestea „Ilya Muromets și tâlharii”, a desenat primele schițe de. Dar versiunea finală, care a supraviețuit până în zilele noastre, nu a fost finalizată decât în 1882. Cavalerul din prim-plan stă ponderat în fața unei pietre cu o inscripție pe care se poate citi: „Nu există drum pentru un trecător, nici un trecător, nici un trecător care să călătorească”. O altă parte a inscripției, care spune că „la dreapta drumului – a merge înseamnă a te căsători; la stânga drumului – a fi bogat”, este parțial ștearsă, parțial acoperită de mușchi. Autorul pânzei a vrut să înfățișeze disperarea drumului cavalerului, deoarece soarta lui se află doar în luptele de pe câmpul de luptă. Caracterul dramatic al compoziției este accentuat de rămășițele unui alt călăreț și ale unui cal, precum și de ciorile negre. Un detaliu interesant: călărețul ține în mână o lance de infanterie, simbolizând disponibilitatea unui bogatyr de a lupta pe jos, chiar și după ce și-a pierdut calul de război.

„Cazacii”, Ilya Repin

Evaluare: 4.9

Născut și crescut în Chuguev, în provincia Harkov, Ilya Repin a fost foarte interesat de istoria și obiceiurile ucrainene, inclusiv de cele ale cazacilor. Prin urmare, când istoricul Dmytro Yavornytsky a auzit despre o scrisoare de la cazacii Zaporizhzhya către sultanul turc la o întâlnire socială, a decis să captureze evenimentul pe o pânză. Potrivit legendei, la sfârșitul secolului al XVII-lea, după ce armata de secui a fost înfrântă de o armată de 15 mii de turci, sultanul Mahmud al IV-lea a trimis un mesaj cazacilor, în care se numea „viceregele lui Dumnezeu” și le ordona să se predea de bunăvoie. Ca răspuns, cazacii iubitori de libertate, conduși de atamanul Ivan Sirko, au scris o scrisoare ironică în care au prezentat întregul lor stoc de metafore jignitoare și limbaj obscen. Nu se știe dacă marele „frate al soarelui și al lunii” turc a primit această operă unică de gen epistolar, dar ea a rămas pentru totdeauna în istorie. Înainte de a începe lucrul la pictură, Repin a călătorit în Ucraina pentru a studia în profunzime cultura cazacilor din Zaporizhian Sich. Acest lucru aduce atmosfera generală și detaliile, cum ar fi armele și îmbrăcămintea, în concordanță cu realitățile timpului descris. Pictorul și-a terminat lucrarea în 1891, la 13 ani după prima sa schiță în creion. Lucrarea a fost achiziționată pentru o sumă importantă de împăratul Alexandru al III-lea și a fost premiată ulterior cu aur la expoziții din Germania și Ungaria.

„Călușarul”, Karl Bryullov

Evaluare: 4.9

Unul dintre cei mai buni reprezentanți ai romantismului Românesc, Karl Bryullov este considerat, pe bună dreptate, ca fiind. Portretul său, Călușarul, este admirat pentru detaliile sale, proporțiile ideale și combinația de expresie și seninătate. Pictat în 1832 pentru contesa Iulia Samoilova, pe care Briullov a cunoscut-o la Roma. Fata de pe cal și fata în roz care aleargă spre ea sunt Giovannina și Amacilia, ucenicele contesei. Artistul a transmis cu măiestrie dinamica subiectului: toate personajele de pe pânză sunt în mișcare. În plus, a ales în mod deliberat tonuri contrastante pentru a sublinia vizual imaginea călărețului. După ce a fost finalizată lucrarea, pictura a fost prezentată în cadrul unei expoziții la Academia de Arte Frumoase Brera din Milano. Italienii au admirat creația artistului rus; criticii de artă au clasat-o alături de Van Dyck și Leuens și au anunțat că lumea nu a mai văzut niciodată un portret ecvestru atât de rafinat realizat. În anii următori, tabloul s-a aflat în colecția privată a contesei Samoilova până în 1893, când a fost achiziționat pentru Galeria Tretiakov.

„Demonul așezat”, Mihail Vrubel

Evaluare: 4.8

Imaginea demonului așezat, trist, i-a venit lui Vrubel din poemul lui Lermontov „Demonul”, pentru ediția aniversară a căruia artistul a creat treizeci de ilustrații. Personajul principal din imagine combină o putere enormă, subliniată de un corp musculos și încordat, și o angoasă mentală clar exprimată pe față. Așezat pe vârful unui munte, tânărul uriaș privește cu nostalgie apusul care se desfășoară în lumea vie, din care el însuși nu face parte. Demonul este înconjurat de roci fanteziste și flori eterice care arată mai degrabă ca niște cristale. Acest peisaj mort completează atmosfera melancolică creată de imaginea personajului și de povestea sa cunoscută din poemul. Interesant este că demonul este îmbrăcat într-o haină albastră, care este asociată în mod tradițional cu nobilimea și divinitatea. Această culoare nu a fost aleasă întâmplător, ci reflectă originile cerești ale eroului din tablou. Autorul nu vede demonul ca pe un personaj negativ, ci mai degrabă ca pe un simbol al unui suflet rebel, incapabil să găsească un răspuns la îndoielile sale. Fiind nu numai un pictor talentat, ci și un sculptor, Vrubel a creat tabloul în stilul său preferat, făcându-l să amintească oarecum de un vitraliu. Pentru a obține același efect, pictorul a aplicat tușe plate și mari cu ajutorul unui cuțit de paletă.

„Prezentarea lui Hristos în fața poporului”, Alexander Ivanov

Evaluare: 4.8

Fascinația lui Ivanov pentru subiectele biblice a început încă din primele etape ale activității sale și a fost absorbită pe deplin după sosirea sa la Roma. Acolo, artistul a studiat texte sacre, a repictat capodoperele lui Michelangelo și a luat din ce în ce mai mult în considerare ideea de a-și crea propria pânză, care avea să devină vehiculul de transmitere a ideilor creștine prin artă. După ce a început să lucreze la acest tablou în 1837, l-a terminat 20 de ani mai târziu. Abordarea lui Ivanov a fost foarte inovatoare pentru epoca sa, deoarece intenționa să se îndepărteze de canoanele academismului și să concentreze atenția privitorului asupra componentei emoționale. Subiectul este unul dintre cele mai importante evenimente biblice descrise în primul capitol al Evangheliei după Ioan – prima apariție a lui Hristos în fața credincioșilor. Artistul a realizat aproximativ șase sute de schițe pe parcursul activității sale, majoritatea dintre ele fiind ulterior dispersate în colecții muzeale și private. Fiecare personaj de pe pânză a fost fotografiat cu atenție, unele dintre ele fiind bazate pe prototipuri din viața reală. De exemplu, bărbatul cu aspect expresiv care stă pe jumătate întors spre Mesia a fost copiat din Nikolai Gogol. Călătorul cu un toiag, așezat lângă Ioan, este însuși Ivanov. Dar imaginea lui Iisus s-a bazat pe desenele unui mozaic din Palermo, pe sculptura lui Apollo din Belvedere și pe… fața unei femei. După ce a terminat pictura, artistul a dus-o înapoi la Sankt Petersburg cu vaporul. Interesant este că, din cauza dimensiunilor sale (750 pe 540 de centimetri), tabloul nu a încăput în cală și a trebuit să fie plasat direct pe punte. Spre dezamăgirea lui Ivanov, opera vieții sale nu a reușit să-i impresioneze pe contemporanii săi; era prea profundă și inovatoare pentru acea perioadă. După moartea sa, însă, tabloul a fost cumpărat de împăratul Alexandru al II-lea, care l-a donat ulterior Muzeului Rumyantsev.

„Căsătoria inegală”, Vasily Pukirev

Evaluare: 4.7

În timpul vieții sale, Vasily Pukirev a creat multe imagini în diferite genuri: peisaje, portrete, subiecte istorice, dar numai una dintre lucrări a asigurat popularitatea sa generală. Aceasta este, desigur, Căsătoria inegală, pictată în 1862. Aceasta a pus în evidență în mod viu problema actuală de atunci a lipsei de putere a fetelor tinere care erau date în căsătorii aranjate cu miri neiubiți, dar înstăriți și adesea bătrâni. Practic, fiecare a doua căsătorie a fost încheiată din motive financiare sau sociale. Imaginea mirelui contrastează puternic cu cea a miresei: el pare a fi arogant și cu sânge rece, în timp ce ea abia se ferește să plângă sau să leșine. În fundal, bărbați mai în vârstă, evident prieteni ai mirelui, se holbează fără menajamente la mireasă, aprobând în mod evident „achiziția” profitabilă. Tânărul care stă cu picioarele încrucișate în partea dreaptă merită o atenție deosebită și seamănă foarte mult cu Pukirev însuși. Potrivit mărturiilor contemporanilor săi, artistul s-a inspirat din drama sa personală, iar prototipul tinerei mirese a fost Praskovya Varentsova, fata de care Pukirev era îndrăgostit, care s-a căsătorit cu un oficial bătrân și bogat. Prezentat la o expoziție din Sankt Petersburg, tabloul pe o temă de actualitate a atras imediat atenția publicului. Vasily Pukirev a primit în curând titlul de profesor de pictură pentru această lucrare.

„Ciorile au sosit, Alexei Savrasov

Evaluare: 4.7

Fiind unul dintre Peredvizhniks, Savrasov și-a dedicat o mare parte din lucrările sale peisajelor rusești… A pictat celebrele sale Ciorile în 1871, după o călătorie în satul Molvitino (în prezent Susanino) din provincia Kostroma. Vechea Biserică Învierea de la Molvița (construită în secolul al XVII-lea) a fost prototipul templului din tablou. Întreaga intrigă este complet lipsită de pretenții, dar transmite perfect starea de natură care precede iminenta sosire a primăverii în sat. Tabloul nu conține culori strălucitoare; dimpotrivă, predomină culorile gri și maro, iar liniștea și banalitatea domnesc. Figurile centrale sunt, bineînțeles, graurii, dintre care unii sunt încă în mișcare, dar ceilalți au reușit deja să-și găsească locul în copaci. Ciorile care se întorc pe meleagurile natale sunt vestitorii căldurii. Dezghețul cu apă stătătoare și cerul albastru limpede care se sparge printre nori sugerează o stare de spirit primăvăratică. Atunci când a reprezentat turnurile, Savrasov le-a făcut intenționat să pară puțin mai mari, renunțând la realism de dragul simbolismului. Misticismul transpare din siluetele întunecate ale păsărilor, iar imaginea lor îndeamnă inevitabil la o comparație cu învierea după un somn „mort” de iarnă. Sensul religios poate fi urmărit și în alte părți ale tabloului: în spatele copacilor se află o salcie, ale cărei ramuri erau folosite în mod tradițional în România pentru a sărbători Duminica Floriilor. Artistul a folosit o tehnică complexă de pictură, combinând diferite metode de aplicare a culorilor, și a aplicat gesso de culoare, glazură și așa mai departe. Pavel Tretyakov, un colecționar și patron al artelor, a cumpărat imediat lucrarea și a expus-o la o expoziție la București.

„Vânători în repaus”, de Vasily Perov

Evaluare: 4.7

Perov a pictat această lucrare în ultima sa fază artistică, în 1871. În această perioadă, artistul a renunțat treptat la reprezentarea vieții țărănești dure, optând în schimb pentru subiecte mai puțin pesimiste. Pictura înfățișează trei vânători care se odihnesc în mijlocul unui câmp. Cel mai în vârstă dintre ei, un nobil după înfățișare, povestește cu mult entuziasm, gesticulând energic pentru a fi mai convingător. Novicele ascultă cu sufletul la gură, atât de impresionat de poveștile vânătorului, încât uită până și de bricheta în flăcări cu care urma să-și aprindă țigara. Al treilea personaj, îmbrăcat ca un țăran, ascultă cu un zâmbet ironic și un scepticism evident pe față. Este evident că astfel de povești nu sunt noi pentru el. Un peisaj de toamnă servește drept fundal, ceea ce îi permite pictorului să se concentreze asupra figurilor principale ale tabloului. În spatele comicului aparent al situației se ascunde un înțeles profund: vânătorii reprezintă etape din ciclul vieții umane, trecând printr-o tinerețe entuziastă, o maturitate experimentată și neîncrezătoare și o bătrânețe care idealizează amintirile trecutului. Autorul picturii, care era el însuși un vânător pasionat, a descris cu meticulozitate păsările, armele și echipamentul. Cu toate acestea, un corn destinat vânătorii cu câini de vânătoare, în timp ce câinii înșiși nu se văd nicăieri, iar o pasăre de pădure și un iepure maro zac împreună, provoacă nedumerire. Este foarte simplu. Este modul lui Perov de a glumi cu un spectator avizat, lăsând să se înțeleagă că, la fel ca bătrânul narator, nici pe el nu-l deranjează să înfrumusețeze realitatea…

„Bogatyrs”, Viktor Vasnetsov

Evaluare: 4.7

Tema folclorică a fost foarte populară printre artiștii ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, dar pentru majoritatea dintre ei a fost o pagină separată în căutarea artei lor și un hobby de scurtă durată. Viktor Vasnetsov, care și-a dedicat viața exprimării pe pânză a epopeilor și legendelor slave, este o altă poveste. Apogeul creativității sale este considerat a fi tabloul „Bogatyrs”, care întruchipează spiritul poporului rus, așa cum și-a imaginat artistul. Începând cu câteva schițe în 1881, a lucrat din greu, punând cap la cap mituri, legende și fapte istorice reale. Rezultatul a fost o adevărată capodoperă, pe care Vasnetsov a glorificat-o pentru multe generații de acum încolo. Pânza înfățișează trei cavaleri: Ilya Muromets este în centru, Dobrynia Nikitich în dreapta sa și Alyosha Popovich în stânga. Împreună, imaginile lor întruchipează puterea creativă a Rusiei și calitățile pozitive ale oamenilor care trăiesc în ea. Muromets miroase a înțelepciune și tradiții vechi de secole, Dobrynya întruchipează mândria unui apărător al pământului natal, dar tânărul Alyosha Popovich cu harpa este poetic și sensibil la orice manifestare a frumuseții. Puternicele figuri de cavaleri stau ca trei munți, fermi și amenințători. Ei veghează îndeaproape pentru a vedea „dacă un dușman perfid se ascunde undeva, dacă cei slabi sunt răniți undeva”. Cerul înnorat deasupra capetelor lor și bulgării cenușii de morminte vizibile în depărtare creează un sentiment de pericol iminent. Deși tabloul în sine este o fantezie a artistului, este demn de remarcat faptul că toate elementele de îmbrăcăminte, harnașamentul și armele sunt reprezentate foarte fidel și corespund prototipurilor autentice ale timpului lor. La finalizarea unei pânze uriașe (măsurând aproape patru metri și jumătate pe trei metri), a fost cumpărată de Pavel Tretyakov pentru galeria sa.

„Fata cu piersici”, Valentin Serov

Evaluare: 4.7

Cea mai faimoasă pictură a lui Serov a scris la vârsta de 22 de ani, ideea pentru acest portret a venit din întâmplare, când a fost un oaspete în Abramtsevo, în proprietatea lui Mamontov. Artistul o cunoștea pe fiica maestrului, Vera Mamontova, de mult timp, dar odată ce a văzut-o pe fetița de 11 ani stând la masă cu o piersică în mână, a înțeles dintr-o dată ce portret vrea să picteze și cine ar trebui să fie personajul. Cel mai dificil lucru a fost să-l convingă pe acest copil neliniștit să pozeze pentru o vară în fiecare zi, și nu doar pentru o zi sau două, deoarece a durat câteva luni întregi pentru a finaliza pictura. Rezultatul este o imagine vie și vie, care dă impresia înșelătoare a unui moment ales la întâmplare din viața de zi cu zi, ca și cum fata s-ar fi așezat la masă pentru doar un minut. Fundalul tern al împrejurimilor contrastează cu chipul fetei, plin de roșeață și roșeață, și cu hainele ei roz, împodobite cu o fundă mare. Lucrând la portret, Serov a folosit tehnicile impresionismului, ceea ce ia permis să umple imaginea cu lumină și să o facă caldă și realistă. Dintre obiectele din cameră, o farfurie atârnată pe perete atrage atenția în mod special – este evident că a fost făcută de artistul însuși, care era pasionat de ceramică. Valentin Serov a prezentat tabloul mamei Verei. Mai târziu, a fost premiat pentru această lucrare de către Societatea iubitorilor de artă din București.

„Ultima zi a Pompeiului” de Karl Bryullov

Evaluare: 4.6

După ce și-a încheiat studiile la Academia de Arte Frumoase, tânărul Bryullov decide să se stabilească în Italia pentru a studia arta clasică a Romei antice. În această perioadă a trebuit să se confrunte adesea cu neglijarea elitei artistice italiene și a aristocrației. Iar când artistul a văzut săpăturile arheologice ale orașului antic Pompei distrus de erupția Vezuviului, și-a dat seama că aceasta era șansa sa de a crea o mare operă de artă proprie. Briullov și-a început lucrarea adunând materiale și desenând un număr mare de schițe: s-a plimbat mult pe străzile vechi, examinând ruinele caselor și rămășițele oamenilor sigilați în lava rece. Se estimează că, în total, aproximativ două mii de oameni au murit pe străzile din Pompei. Cinci ani mai târziu, tabloul de șase metri pe trei metri a fost finalizat. Scena descrisă este în stilul romantismului, în ciuda ororii situației nu există haos și mulțimi. Oamenii pot fi împărțiți în mod convențional în grupuri, fiecare dintre ele trăind propria tragedie pe fundalul unei catastrofe globale. Figura centrală a compoziției este o femeie și un copil întins pe pavaj, care reprezintă căderea lumii antice și începutul unei noi culturi. Pictura i-a adus lui Bryullov o largă popularitate în Europa, iar acasă a primit porecla de „mare”. O capodoperă a lui Pușkin, Gogol, Lermontov și Nicolae I, care a pus tabloul în Ermitaj.

„Barcagii de pe Volga”, Ilya Repin

Evaluare: 4.5

Pentru prima dată, Ilya Repin a văzut pentru prima dată flotoare la lucru în 1869, pe Neva, pe când încă studia la Academia de Arte Frumoase. Impresionat, artistul s-a gândit o vreme la ideea de a picta o pânză pe acest subiect. În cele din urmă a mers pe Volga, unde și-a început pictura cu schițe care descriu contrastul dintre muncitorii angajați care trăgeau barja și oamenii îmbrăcați elegant care se plimbau pe coasta Volgăi. De asemenea, Repin i-a cunoscut pe marinari, i-a supravegheat și a stat de vorbă cu unii dintre ei în timp ce se odihneau. Treptat, a ajuns să își regândească ideea inițială, hotărând ca în loc de nedreptatea socială să se concentreze pe oameni concreți și pe diversitatea caracterelor lor. Fiecare dintre cei unsprezece oameni care trag barja cu încărcătură grea are o reacție diferită față de această ocupație grea și, în mod clar, prost plătită. Cineva se uită strâmb, supărat pe soarta sa nedreaptă, cineva este filozofic și calm, unul chiar reușește să-și aprindă o pipă în acest proces. În fruntea carelor alegorice se află un muncitor experimentat și în vârstă, al cărui prototip a fost preotul necongelat Kanin, o nouă cunoștință a lui Repin. Opusul complet al liderului informal aspru și trist este un tânăr cu părul blond. Este nerăbdător și nu știe încă cum să se descurce cu curelele. În depărtare se poate vedea un remorcher ca simbol al progresului tehnic; ar trebui să elibereze oamenii de munca grea, dar din anumite motive nu este folosit, probabil că serviciile remorcherilor costă mult mai puțin… După expoziția de la Sankt Petersburg din 1873, tabloul a fost întâmpinat cu multă publicitate, atât entuziastă, cât și negativă. În cercurile de creație, a fost un impuls semnificativ pentru începutul erei realismului.

„Boyarynya Morozova”, de Vasily Surikov

Evaluare: 4.5

Originar din Siberia, Surkov cunoștea de mult timp atât Vechiul Crez în general, cât și Povestea boiernei Morozova. Reprezentantă a aristocrației rusești de rang înalt și deținătoare a unei mari averi, nobila i-a susținut activ pe vechii credincioși, mergând astfel împotriva țarului și a patriarhului Nikon. Ca urmare, a fost arestată și închisă într-o mănăstire, unde a murit de foame. Artistul a ales momentul în care Morozova era dusă la interogatoriu. Odată ajunsă la mănăstirea de lângă Chudovo, ea dă dovadă de bipartizanatul vechii credincioase cu o mână înlănțuită în lanțuri, lăsând să se înțeleagă că nu va renunța niciodată la credința ei. Surkov mărturisește că înțelegerea modului cel mai bun de a crea o compoziție i-a venit atunci când a văzut o cioară care își întindea aripile în zăpada albă. Pictorul nu a găsit o imagine potrivită pentru personajul principal până când a văzut din întâmplare într-un cimitir un bătrân credincios cu fața foarte palidă. Este simbolică, deoarece arată reprimarea de către stat a necredinței în general și a atitudinii oamenilor față de aceasta. Fețele oamenilor înghesuiți pe marginea drumului exprimă un spectru larg de emoții, de la groază la dispreț batjocoritor. Tabloul a debutat la o expoziție itinerantă și a fost în curând achiziționat pentru Galeria Tretyakov.

„Femeia necunoscută” de Ivan Kramskoy

Evaluare: 4.5

Această pictură unică este aclamată de toată lumea, dar este și una dintre cele mai enigmatice lucrări ale artiștilor ruși. Pe pânză, executată în stilul realismului – o tânără fashionistă urbană, care trece într-o trăsură pe Nevsky Prospect din Sankt Petersburg. Îmbrăcămintea ei este o combinație de tot ceea ce era la modă la sfârșitul secolului al XIX-lea: o haină din blană de samur, împodobită cu panglici de mătase, o manșetă din același material, o beretă de catifea decorată cu perle și pene de struț, și o brățară masivă de aur la braț. Toate detaliile vestimentației sale au fost redate de autor cu multă pricepere și grijă. Străzile orașului acoperite de zăpadă servesc drept fundal pentru portret, dar sunt ușor estompate pentru a nu distrage privitorul de la model. Judecând după ținuta ostentativ de bogată, doamna nu făcea parte din clasa superioară, care respecta anumite reguli de stil. Misterul identității ei nu a fost niciodată rezolvat de artist, deși cea mai larg acceptată teorie este că ar fi fost o fostă țărancă devenită soția unui nobil bogat din Sankt Petersburg, Bestuzhev. Tabloul se afla în multe colecții particulare, dar în decursul anilor a devenit accesibil unei game largi de spectatori și a fost dispersat în toată țara sub formă de reproduceri.

„Dimineață într-o pădure de pini”, de Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky

Evaluare: 4.5

Este greu de imaginat o imagine mai cunoscută în România decât cea a unei păduri de pini cu trei ursuleți care se zbenguie, însoțiți de o mamă urs. Șișkin a fost un artist cu un simț acut pentru frumusețea vieții sălbatice, nimeni altcineva nu putea descrie sălbăticia primordială a unei păduri dense într-un mod atât de armonios și totuși precis. Cunoștințele vaste ale artistului în materie de geologie și botanică i-au permis să creeze o capodoperă care pare să aibă o viață proprie. Relieful scoarței de pe un copac căzut, tufișurile care cresc lângă el și pinii înclinați sunt desenate cu detalii incredibile. O râpă adâncă din depărtare este învăluită într-o ceață densă, dând un sentiment de mister unui loc cu puține sau deloc așezări umane. Borul din care artistul a pictat peisajul se află pe insula Gorodomlya, în regiunea Tver. Este interesant că nu Șișkin a fost cel care a desenat urșii stângaci și amuzanți. Ele au fost pictate de Savitsky, un renumit animalist. Lucrarea a fost prezentată pentru prima dată în 1889, în cadrul unei expoziții itinerante, și a fost achiziționată ulterior de Tretiakov. Colecționarul a șters semnătura lui Savitsky, deoarece, potrivit lui, întreaga idee aparține lui Shishkin. Imaginea a fost cunoscută pe scară largă încă din secolul al XIX-lea, iar în perioada sovietică a fost atât de copiată încât a devenit o parte esențială a culturii populare.